Monday, November 13, 2006

Masada / Live, Jueves 16, Febrero 2006, 7:00 pm Mandel Hall/1131 E.57th Street UIC Chicago USA


John Zorn es uno de los Grandes compositores de avant-garde que existen, cuenta con más de cincuenta proyectos propios y una discografía que abarca desde el Jazz, pasando por el Punk, el Hardcore, el Funk, el "Standard" el "Free", y otra diversidad de estilos que explican el vasto universo musical por el cual este insaciable saxofonista se desenvuelve.

Nació en New York el dos de Septiembre de 1953, su primera etapa fructífera entre los años setenta y ochenta se tradujo en su música en "Bloque" denominada de esta forma por el propio Zorn, desarrollada por formas musicales donde lo que importa es el sonido y el instrumento, predominando el ruido, (podríamos destacar la obra Fu Xeng como ejemplo y posteriormente sus nueve trabajos Film Works para el cine alternativo)) hacia los ochenta y noventa, nacen los proyectos; Game Pieces, en donde las creaciones toman su forma desde el interprete, bajo este concepto se funda Naked City a fines de los ochenta, quinteto de Jazz-rock formado por: John Zorn, Wayne Horvitz, Bill Frisell, Joey Baron, Yamatsuka Eye y Fred Frith, los discos de Naked City son el Homónimo de 1988 casi en paralelo con Torture Garden el mismo año, luego vino Radio, Heretic, Grand Guiñol que fue una re edición del Torture Garden mas unas grabaciones de piezas de compositores conocidos, y el último trabajo de este ensamble hasta la fecha, el minimalista Absinthem.

Se dice que Naked City al juntarse por primera vez, demoró cinco días en tener un material de cuarenta canciones listas para iniciar un tour por Europa, como si sus integrantes se hubiesen conocido por años (Zorn tenía todo el material escrito en partituras musicales). Masada vino inmediatamente después del final de Naked City en 1993 y es la extensión del trabajo más tribal de Zorn, en dónde el compositor explora el alma de la Música Klezmer o Judía.

El concierto fue parte del programa de estudios del departamento de Cine y Arte de la universidad de Chicago y se realizó en uno de los edificios tipo castillo anglosajón que abundan en esta inmensa ciudad Universitaria, la reunión se inició con un foro de conversación a teatro lleno frente a unas mil personas, desgraciadamente las preguntas fueron débilmente orientadas hacia la música, no obstante Zorn aprovecho de recordar entre otras cosas algo que le había dicho "Ennio Morricone" mientras se encontraba grabando uno de sus discos tributo; "Spillane" y "Plays the Music of....." , Morricone le aconsejo orientarse hacia lo que va en el disco como un todo musical antes que en el producto visual o "Film", al componer para el Cine.

También comentó su forma de componer y de como toma algunos motivos conocidos de la Música tradicional Judía para transformarlos en sus adaptaciones libres y radicales con Masada.


De lo difícil y a la vez motivador que es trabajar con diferentes personas, quienes dan por separado, peculiares formas a las composiciones de este genio vanguardista, ......Bill Frisell, por ejemplo; nos comentaba Zorn, estuvo un buen rato tratando de encontrar la melodía a "Poisonhead" una canción del disco "Radio", también resaltó lo importante que puede surgir de una idea simple con dos o tres acordes (en el caso de esta última composición), en seguida Zorn comentó estar trabajando en un nuevo proyecto junto a Mike Patton luego de Hemophiliac su mas reciente colaboración (recordemos que junto a Patton también dieron vida a Mr. Bungle)

Después y siguiendo con este buen humor e interacción con la audiencia, Zorn acompañado por el magistral baterista Joey Baron mas el contrabajista Greg Cohen se dedicaron a hacer una prueba de sonido donde Zorn preguntó si se podían mantener las luces prendidas del teatro ya que el concierto aun no comenzaba, al mismo tiempo que encaraba al público pidiendo que continuaran actuando como si nada pasase, causando la risa masiva de la concurrencia, intentando sacar sonidos de su averiado saxofón sin conseguirlo del todo, de pronto sacó la pieza de madera que va en la boquilla del instrumento y la tiro al aire, para posteriormente reemplazarla por una nueva, reanudando la supuesta prueba de audio, dejando al público boquiabierto al escuchar por fin el brutal y estridente sonido que salía del instrumento.




Del show de una hora de duración se pudo apreciar la capacidad histriónica de Zorn, quien bajo trance actúa realizando movimientos frenéticos de cuerpo, dirigiendo mediante extrañas señas al resto de la banda específicamente a Baron, quien durante uno de sus solos perdió las baquetas y se fue tras el escenario riendo a carcajadas mientras sus compañeros de grupo disfrutaban de la burlesca situación, en otro momento se detuvieron ante el error de Zorn para retomar la canción justo desde el momento del corte, la solidez e intercambio dinámico de solos, la improvisación de cada músico, el expresionismo libre de esta mezcla de estilos musicales nobles abundaron durante esta presentación.




Cohen y su sólido apoyo de contrabajo también demostró lo suyo, Dave Douglas le pegaba palmetazos a su trompeta sacando raros sonidos, Joey Baron utilizaba alucinantes recursos de percusión como tocar con sus manos, golpeando la batería no precisamente de manera ortodoxa, de repente los golpes de baquetas iban dirigidos a los lados de los tambores y no a los parches, a los pernos y pasadores que le dan la tensión o conforman más bien parte del ensamblaje del instrumento, en la mitad del concierto su solo tuvo una duración de unos quince minutos, la mayoría de las canciones fueron del repertorio del último "libro" número X de Masada con algunos favoritos como la vertiginosa; Beeroth y la fuertemente " Henry Mancini" influenciada y dinámica Hazor, música realmente para deleitarse y divertirse junto a estos maestros que se pasearon por diversos estilos e influencias entre las que también cuenta "Duke Ellington" y su orquesta como también la obra de Mickey Katz.



No puedo decir otra cosa que agradecer el haber podido estar esa noche frente a uno de los mejores y mas originales saxofonistas contemporáneos exponentes del Jazz moderno y su gran banda proyecto "Masada", durante el Set y debido aparentemente a que Zorn actuaba más de coordinador que intérprete (el Músico admitió sufrir molestias de mandíbula provocadas por su incesable carrera y constantes conciertos), alguien del público grito molesto y con reproche, a lo que Zorn simplemente respondió: "You come up here and play Mother Fucker". Dudo que los estudiantes allí presentes hayan tenido claro quien estaba en el escenario, una verdadera lástima y una pésima actitud hacia alguien de esta calidad y trayectoria.



Fotos y Texto Rodrigo Trupp

BILL FRISELL & THE UNSPEAKABLE ORCHESTRA MAYO 6 2005 CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA / SYMPHONY CENTER IL. U.S.A.


Hace quince años un amigo escritor llamado Steve Grinstead me introdujo en el mundo del virtuoso guitarrista Bill Frisell con dos L.P'S de vinilo: Naked City's Torture Garden (1989-90) de John Zorn, y el trío, Power Tools (1987); éste último junto al sorprendente baterista de sesión Ronald Shannon Jackson, y Melvin Gibbs en contrabajo.

Bill Frisell nació en Baltimore, pero pasó parte de su vida creciendo en Denver Colorado, estudió en el Berklee College of Music de Boston. Luego de una temporada en Bélgica volvió a New York en 1979 donde comenzó su incansable carrera como Músico solista y colaborador durante diez años, ahora vive en Seattle. Entre sus músicos favoritos encontramos a: Otis Rush, B.B.King, Paul Butterfield y Buddy Guy.

Hoy me toca hablar de su Música, y es un verdadero privilegio.

El lugar de encuentro es: The Symphony Center de Chicago, el día, viernes seis de mayo a las nueve de la noche. Este teatro clásico con sus tres pisos de balcones circulares, ha albergado por aquí desde al conocido compositor de Música de películas John Williams hasta actos diferidos como los de Bobby Mcferrin o el mismísimo leyenda Pierre Boulez.

La obra de Bill Frisell, aparte de prolífera (cerca de 350 colaboraciones como guitarrista de sesión entre los que se cuentan alrededor de veinticinco trabajos propios) siempre esta en constante cambio, no sé si es porque este visionario intérprete, proviene de una escuela de Jazz o simplemente porque es una persona demasiado versátil y de espíritu insaciable; de hecho este concierto lo trae de vuelta por estos lugares con su ensamble The Unspeakable Orchestra, con quienes grabó recientemente Unspeakable(2004), que le ha valido un grammy como mejor disco de Jazz contemporáneo.

Pude observar como Frisell afinaba una guitarra Fender Telecaster, lo mismo los demás músicos con sus respectivos instrumentos, de manera muy casual, frente a la espectante concurrencia. Inmediatamente casi tras dejar el escenario el elenco entró por un costado haciéndose de inmediato de sus puestos. Tímidamente casi incómodo frente al micrófono el maestro presentaba a su banda como: "...these are my best friends", su sección llamada The 858 Strings con: Hank Roberts, Cello (del cuarteto "The Bill Frisell Band"), Eyvind Kang, Viola (Kang formó parte del cuarteto con quienes se grabó "Tales From The Far Side" 96), Jenny Scheinman, Violín (quien forma parte de "The Intercontinentals" 03), hacia su derecha el Baterista Kenny Wollesen (que ha estado con Frisell en sus: tríos, quartetos, y en el septeto del "Blues Dream"2001) y el Bajista Tony Scherr (conocido por su trabajo con Joey Baron, John Scofield, Lounge Lizards y también por sus trabajos para el cine de Howard Shore).
Al inicio, las maderas y los efectos electrónico-ambientales creciendo lentamente desarrollaban una de las piezas del Unspeakable, me refiero a D Sharp, canción llena de cambios a cargo de "The 858 strings", entre lo alegre y lo extrañamente oscuro, muy dramático, con esas cadencias que van lentamente hacia lo menor, parecida a la atmosférica "Let Me In" que cierra el Where In The World de 1991, después de unos 25 minutos la Música derivaba hacia la más alegre pieza del "Intercontinentals", Boubacar, con densas atmósferas electrónicas de guitarra.

La fuerza de un Jazz Standard con mucho Groove y onda casi de rock duro habría el segundo segmento del concierto, a cargo de la batería, el bajo y la distorsión de la guitarra en una búsqueda sónica en especial de Frisell, quien deslizaba su mano a través del cuello de su instrumento por diversos timbres, la pieza fuertemente influenciada en la Música de Aaron Copland y su estilo de arreglos para películas Country Western.

En un diálogo muy sencillo y respetuoso con la gente, Frisell casi con dificultad hablaba....."creo que debería decir algo?". Durante las risas del público, continuaba..."Thanks for coming", el público celebraba su humor mientras terminaba, "......mejor sigo tocando.......nos vemos luego".

El tercer corte de Hermosas armonías se reanudaba con Sundust, también del Unspeakable y un "Mood" que te transportaba a lugares paradisíacos como Hawai o la rivera mexicana. La canción sin detenerse se iba transformando, gracias a Wollesen y Scherr en un dialogo junto a la distorsión de Frisell, quién a veces, algo frenético manipulaba un pequeño modulador de onda marca Korg, que permaneció encima de un simple piso durante la presentación.

Esta suerte de ordenado (y leído) "Jam" se ponía mas interesante e intenso al momento en que las cuerdas y el Hi Hat del baterista producían un rápido Standard de Jazz en 6/8 de tiempo, doblemente apresurado, a veces Hendrix a ratos aventurado como en la Música de Kronos Quartet o Julius Hemphill, es difícil describir lo que se percibe durante este trance especial y espacial al presenciar a este grupo de experimentales músicos.

Luego de un breve descanso la despedida del grupo se reanudaba con una canción de protesta según lo que nos contaba el mismo sabio de las seis cuerdas: ".........como están hoy en día las cosas ............a veces me hacen poner muy triste", así nos dejaban con una suave tradicional canción norte-americana llamada: -Lo que necesita el mundo ahora, es amor-".

Grande Bill Frisell y gracias por esta noche llena de magia y sentimiento.


Nota: Algunas de las cosas que pude divisar desde mi posición frente al escenario.

Guitarra Fender Telecaster, Amplificador Fender Princeton, Efecto Line Six, Efecto Lexicon LXP1, Varios DOD, Flanger, Chorus, Tube Screamer.

Rodrigo Trupp

Saturday, November 11, 2006

MARILLION / LOS TRIOS MARILLOS / LIVE & ACOUSTIC TRIO DOUBLE DOOR PUB 1572N. Milwaukee Ave. CHICAGO IL. U.S.A.


Marillion prácticamente sobrevive a cualquier movimiento de Rock Progresivo, por muchos calificados de Neo-progresivos, el grupo en sus comienzos instrumental, tiene sus raíces en el conjunto Electric Gypsy formado en 1979 por Mick Pointer(Arena) entre otros. Steve Rothery llega para formar parte de lo que ya se denominaba Silmarillion en agosto de ese mismo año; se podría decir entonces que Rothery es el único miembro que queda de la primera formación de la banda.
 Fish, por su parte habiendo ganado su puesto para cantante a principios de 1981 hizo mucho para que este grupo se consagrara y es así como la meteórica ascendencia a las grandes ligas del Rock Progresivo comenzaba con el ingreso de la banda al sello EMI en 1982 para luego grabar Script For A Jester's Tear en 1983. Desde aquel disco la formación permanece prácticamente intacta salvo por Mick Pointer que dejó Marillion en abril de 1983. Hoy Derek Dick alias Fish a logrado alcanzar ese gran rango de capacidad Musical con bastantes méritos dentro de su propio trabajo como solista continuando con esa introspectiva perspectiva de la vida que lo caracteriza.
Resumiendo un poco, la segunda etapa del grupo que comienza en 1989 con "Seasons End" considerado por muchos uno de los grandes discos del Rock Progresivo moderno, se ha visto brillar también con trabajos como Holidays in Eden (1991), Brave (1994), Afraid of Sunlight (1995), This Strange Engine, (1997), Radiation (1998), Marillion.com (1999), Anoraknophobia (2001), y el año pasado Marbles.

En cada trabajo de estos grandes Músicos se reflejan historias contadas ya sea en discos completos o en canciones que hablan de la vida personal a veces tremendamente íntimas, sentimentales y extremadamente fuertes en otros casos.

Marillion, "Los Marillos" como se hacen llamar así mismos existen para bien, para traer imágenes a nuestras oscuras vidas y para llenarnos de eso que a veces nadie sabe lo que es, pero que de alguna manera alimenta nuestros corazones.

Este grupo clásico de Rock, que maneja su música entre el vértigo de paisajes emocionales a lo Pink Floyd y de números más expresionistas cómo: Laurie Anderson o Jeff Buckley, es de estas bandas que lo experimentan todo, sacándole provecho a la electrónica sin abusar de ella que van hacia lo extremo para volver luego con lo simple y acústico.
Afuera del "Venue" y mientras esperamos nuestro turno para ingresar al recinto, un transeúnte pregunta si sabemos quién se presenta en concierto, mientras alguien responde "Marillion". Dudo que aquella persona se haya alejado con la idea clara de lo que acontecería allí . Una vez adentro comencé a ver el desfile de camisetas, algunas del Script For A Jester's Tear, otras del Seasons End, del Holidays In Eden y por supuesto del Marbles.

A las ocho y algo, abre la noche el Músico de New York, Jason Hart quien me recordó mucho al cantante del grupo holandés For Absent Friends, interpretando canciones en su teclado y hacia su final la sorpresa llegaba con Pete Trewavas y Steve Rothery para tocar junto al vocalista: Lavender, pequeño tributo a la etapa antigua de Marillion canción que aparece en el Misplaced Childhood de 1985.
Steve Hogarth subió al escenario poco después, sentándose frente al piano y al público acompañado de su computador personal para saludar con un..."Buenas Tardes" y para dar comienzo a esta gran noche de maestros del Progresivo Británico.

Mientras los acordes en el teclado anunciaban "Hollow Man" del Brave; la gente que allí se encontraba, bordeando las 300 personas, emocionadamente seguía la letra de este gran número de apertura. A continuación nada menos que la taquillera Cover My Eyes en donde, por su puesto, Hogarth hacia gala de su perfecta voz. No One Can, que junto a la anterior constituyen dos grandes números del Holidays In Eden; seguían en este perfecto repertorio, Hogarth trataba de recordar con algunos errores ésta última canción preguntando a los fans "...How is it goes?" a quienes entretenía pidiendo la cooperación para poder tocarlas, Pete Trewavas entraba en segundo lugar y con bromas el dúo comenzaba a realizar una de esas piezas de joyería, me refiero a la canción de culto The Bell In The Sea , uno de esos demos que apareció como lado "B" en la etapa del Seasons End. Luego otro regalito al entrar al escenario Steve Rothery para interpretar los sublimes acordes del inicio de Dryland (canción perteneciente a "How We Live" banda de Hogarth anterior a Marillion) del Holydays In Eden el solo tocado acústico sonó con la misma delicadeza y fuerza características que acompañan a Rothery desde siempre, una canción que marcaba la riqueza compositiva la madurez y la presición que poseen estos maestros en vivo.
Haciendo reír al público con sus conversaciones en Español ya que el nombre de Los Marillos parece venir de una experiencia con disfraces Mexicanos, se reanudaba la Música con los sonidos "sampler" de Hogarth para You're Gone de su reciente Marbles, luego las bases electrónicas de bajo y batería daban el ritmo y el peso para sorprender con Cannibal Surf Babe del Afraid Of Sunlight y entre el diálogo con el público que reclamaba por peticiones de covers, la famosa "Let it Be" de los cuatro fabulosos de Liverpool nos hacía seguir disfrutando de esta fiesta con una dosis del viejo Rock And Roll.
La corta pasada por la era Fish llegaba con Sugar Mice del Clutching At Straws de 1987, la alusión a Milwaukee en la letra (nombre de la calle en que se encontraba el Pub del concierto) cuando la alegría de la gente que allí se congregaba se hacía evidente, la tranquila Fantastic Place otra del Marbles entrelazándose junto a la potencia de baterías programadas iban consagrando a Hogarth como el gran director de la noche.
"Hace diez años atrás", contaba Hogarth, ..."nos enclaustramos en un castillo en Dordogne, al oeste de Francia para pasarlo bien y no escribir mucho","...como suele suceder" replicaba Rothery riendo... "En donde grabamos Brave", proseguía el apodado "H" como muchos le gritaban esa noche..."El tiempo vuela cuando se pasa tan bien no es así?" preguntaba riendo junto al público. La triste y magnífica Runaway del gran disco conceptual antes mencionado sonaba posteriormente; después la hermosa, misteriosa y llena de sentimientos: This Is The 21 st Century del Anoraknophobia.
Por su parte Pete Trewavas, y el grande Steve Rothery ayudaban a recorrer sus vidas musicales en esta íntima reunión, alternando sus roles entre guitarras y bajos.

Una pequeña pausa y Steve Rothery volvía al escenario para interpretar un solo basado en sus envolventes sonidos. En ese minuto me acordé del otoño de 1997 en el estadio Chile de Santiago cuando Marillion se dejo caer con el Strange Engine, para aquel entonces Steve Hogarth debutó con muchos problemas en la voz, es increíble escucharlo ahora en perfecto control de sus dotes de intérprete además de poeta y apreciar su profesionalismo e histrionismo que no abandona a pesar de estar sentado frente a su teclado algo limitado de movimientos.

La íntima y mágica noche de recuerdos llenos de nostalgia continuaba con Steve Hogarth asido de sus elementos de percusión para entregarnos Marbles II y la introducción a la energética y alegre Don't Hurt Yourself con las palmas y el festejo de la audiencia presente.

La emotiva y a estas alturas clásica Easter en momentos a capella ovacionada y coreada por la concurrencia, seguía junto a la electrónica e introspectiva de crítica social The Answering Machine del Radiation. Tumble Down The Years del Marillion.Com y Man Of One Thousand Faces del Strange Engine ponían la nota en lo alto en esta noche de Rock Progresivo Clásico.
Nuevamente Rothery sacaba esas bellas melodías de su Stratocaster para When I Meet God también del Anoraknophobia entrelazada con otra llena de sentimiento del Marillion.Com, la canción Enlightened marcando la última salida que se venía con más canciones sorpresa, Three Minute Boy del Radiation, After Me del Seasons End y la infaltable como es ya tradición para el cierre, la acústica y sentimental Made Again.

Pete Trewavas despidiendo la noche mencionó que la próxima vez no olvidarían traer a los otros dos refiriéndose a Mark Kelly e Ian Mosley tecladista y baterista del grupo respectivamente. El apretón de manos de la gente en primera fila con los músicos, daban el adiós o el "hasta la próxima" en estas dos horas de Marillion uno de los más importantes y trascendentales ensambles del Rock Progresivo mundial. Luego de una entrega como esta, la satisfacción es suficiente, sonido impecable, los artistas: profesionales, sencillos, agradecidos y entregados por completo a su público.

Fotos y Texto Rodrigo Trupp